miércoles, 2 de junio de 2010
domingo, 30 de mayo de 2010
The Thin Blue Line – Errol Morris (1988)
En este documental detectivesco, Errol Morris utiliza varias convenciones cinematográficas para seguir el camino del crimen, el juicio y la sentencia.
Errol Morris nos muestra como una vez puesta en marcha la justicia, no hay forma de cambiar el resultado. Utiliza las recreaciones en varios momentos para mostrar como visto de diferentes lugares, se puede interpretar la verdad de diferentes formas. Hay dos posibles criminales en este caso, y desde un principio, la ley decide que uno de ellos es el culpable, de esta forma, toda la evidencia es examinada con visión de túnel, de forma que todo apunta hacia él.
El material es visitado cíclicamente, en la primera vuelta, algunas cosas se revelan, pero en las siguientes, poco a poco, Morris nos va revelando más hechos, se van viendo más facetas de los personajes, y del crimen mismo.
Otro dispositivo usado a lo largo de la película, son las entrevistas, tanto con los presuntos culpables, como con los abogados, detectives y testigos. Los lugares donde los entrevista son sets, y las entrevistas claramente no son espontáneas, pero las preguntas no son pretenden sacar una respuesta específica, si no, que las respuestas sean lo que los entrevistados quieren decir.
La película es una reflexión sobre la creación de la verdad, sobre como la verdad es maleable, y no es necesariamente algo incuestionable, si no todo lo contrario.
David Holzman’s Diary – Jim McBride (1967)
Un diario falso de un joven que vive en un departamento en Nueva York, y cuya vida se esta desmoronando. McBride nos presenta un “diario” de una semana, en la que David Holzman busca su destino.
Holzman se vuelve un personaje bastante apático, tipo pseudointelectual, que pasa horas lamentándose frente a su propia cámara.
La película es una reflexión sobre la verdad cinematográfica, hoy hemos visto esta película muchas veces, y en diferentes formas, ya sea en ficción o no ficción. Un personaje se enfrenta a sí mismo con su propia cámara, hasta llegar a una catarsis, y descubre algo sobre sí mismo. Es una fórmula que se ha abusado, y por eso este personaje se hae tan apático y molesto, el público puede ver que no hay nada de sinceridad en las acciones del actor.
El Chico Ciego- Johan Van der Keuken (1964)
Es muy difícil, si no es que imposible, que una persona que no sea ciega entienda lo que es ser ciego, y como es la vida de una persona ciega, es por esto que Keuken intenta quitarnos otro sentido, para poder recrear la falta de un sentido. Al jugar con la forma de audio y video sincronizados a la que estamos acostumbrados, Keuken nos hace más sensibles a esta falta de un sentido. Poco a poco nos va guiando a cómo es el día a día de una persona ciega. Nos muestra cosas a las que estamos acostumbrados a ver, como un niño aprendiendo a caminar, o a tocar el piano.
Con lo primero con lo que los ciegos reconocen los objetos, es con el tacto, y Keuken se concentra muchas veces en las manos de los niños, para ver cómo descubren las cosas, y junto con ellos, dado que son planos muy cerrados, nosotros también vamos descubriendo los objetos.
Ek director se fija mucho en que el espectador no sienta lástima por los ciegos, si no que entiendan que simplemente es una realidad diferente, los muestra haciendo tareas comunes del diario, como ejercicio, corren en la pista, hacen lanzamiento de bala.
Keuken juega con nuestros sentidos para intentar mostrarnos como sería si nos faltara algúno de los que sí tenemos. Una cámara poco intrusiva, y muy intuitiva nos muestra este mundo que no podemos entender.
Crónica de un Verano – Jean Rouch (1960)
Jean Rouch retoma a dos de sus personajes de La pirámide humana, para hacer un experimento social, en el que vemos como vive la gente en París. Esta pelícual es un encargo de Edgar Morin, quien junto a Rouch se encargan de abrir la película con una discussion sobre si se puede actuar naturalmente frente a una cámara o no. Lo que continua, es un censo de los parisinos en la calle, si piensan que son felices o no. Toman varios personajes en los cuales centrarse, los más distinguidos siendo un obrero, Angelo, y un grupo de jóvenes que se juntan para discutir la situación actual.
Morian, no dejó que el documental fluyera de una manera natural, ya que en vez de que la gente entrara fortuitamente al grupo de personas que prestaron su voz y expresaron sus opiniones a lo largo del documental, incluyo de forma forzosa a jóvenes que pertenecían a el grupo de Socialismo y Barbarie, dejando a Angelo como uno de los personajes más fieles, que además, se presta para este papel, que fluye muy naturalmente, sin tener problemas al enfrentarse con la cámara.
Otro momento muy fortuito, es cuando los jóvenes estan platicando, Landry les está intentando explicar la situación de los negros en África, y la diferencia de cómo conviven allá y cómo conviven fuera de África. Luego Landry quien les ha intentado explicar esa forma de vida, pregunta por el número que lleva Marceline en el brazo, ella explica que es de cuando estuvo en un campo de concentración, y se siente la incomodidad de todos, pero al mismo tiempo, la sinceridad, y un cierto catarsis en la historia.
Varias situaciones son empujadas por la cámara y sus creadores, y ellos no buscan esconder sus huellas, si no dejan que fluyan y que a pesar de un empujon que pueden haber dado, lleven el camino que deben llevar libremente.
Grey Gardens- David & Albert Maysles (1975)
En esta película que como expectadores nos resulta incómoda y amarga la situación, solo podemos imaginar lo incómodo que estuvieron los hermanos Maysles durante los seis meses que filmaron el documental con Big Edie y Little Edie, quienes no necesitaron más que una cámara observacional, como es común en los Maysles, para lucirse y darse a conocer a todo el público como posiblemente la famila más disfuncional.
Los personajes que nos presentan, son más grandes que la ficción, pero las dos son grandes personajes y actrices en frente de la cámara, especialmente Little Edie, que se enamora de la cámara y de David, e intenta seducirlos.
La historia ya estaba ahi, y s´Olo se necesitaba un público, para que presenciara estas extraordinarias actuaciones, y la sofocante vida de las actrices que las interpretan. Como madre e hija, vemos lo dificil y asfixiante que es estar juntas tanto tiempo. La cámara funciona como un catalizador, cuando está presente, ambas se tienen que efender de lo que una dice de la otra, hace que hablen, y que se peleen por el protagonismo.
Solo hay dos tipos de personas que visitan, una es Jerry, el ‘handyman’ que ayuda con el jardín y otras cosas, quien resulta también ser un personaje bastante extraño, y las otras personas que visitan, lo hacen en el cumpleaños de la mama, pero durante todo el tiempo que se encuentran ahí, se les ve la incomodidad.
Salesman- David & Albert Maysles ( 1968)
Hubo una época en la que los vendedores de puerta a puerta eran muy comunes, y salesman habla particualrmente de un grupo de vendedores de Biblias que trabajan de esta manera en los 60’s. La fuerza de la religion Católica se ha ido perdiendo, entonces este grupo de vendedores, se ve en problemas, porque, el personaje principal, por ejemplo, necesita mantener el nivel de sus ventas, a final de cuentas, en eso trabajan y de eso viven; de sus ventas.
Con una forma q la que los hermanos Maysles llaman cininema direct, vemos como Paul Brenan intenta robarse a los clientes de los demás, como intenta desesperadamente y con trucos que podrían ser visto como baratos, vender sus Biblias a toda costa.
Con el cinema direct, los hermanos permanecen al borde de la acción, el dispositivo cinematográfico es puramente observacional, y no intenta intrometerse, ni hacerse obvio dentro del documental.
Gimme Shelter- David Albert Maysles (1970)
Con el uso de la camara obrservacional, y un montaje no lineal, los hermanos Maysles nos muestran el concierto de los Rolling Stones, y nos meten dentro de su ambiente. Las cámaras tienen acceso a todos los lugares en el concierto, y logran mostrar un ambiente completo del backstage, montaje, organización, y después del concierto.
Al mostrarle las imágenes, y la edición a los Stones, los Maysles buscan un momento ‘veritee’, y reciben sus impresiones, y captan sus primeras reacciones ante lo que sucecdió a lo largo del concierto. Ellos mismos pueden ver lo que salió mal, desde el principio, hasta que muere uno de los espectadores a mano de uno de los Hell’s Angels.
Este documental sirve casi como un manual de que y que no hacer en n concierto masivo, en cuanto a la seguridad, la locación y la organización en general.
Delitos Flagrantes- Raymond Depardon (1994)
Este documental forma parte del free cinema, y busca mostrar cómo funciona el sistema de detención de presos, pero no intenta juzgar, y hacer que nosotros tomemos algun lado, la cámara está equitativamente balanceada entre abos partidos, para poder mostrar ambos lados.
A lo largo del documental, se ven muchos errores en la justicia, y su forma de trabajar, a las personas, se les trata sin ninguna compasión, sin ningún sentimentalismo, la justicia trabaja como una máquina, fría y distante, como una máquina. También, muestra como se gasta tanta energía y recursos en delitos menores, que no tienen gran trasendencia, como posesión de drogas, cuando apenas y son para consumo y no busca ninguna alternativa para alguien que cree haberse quedado sin ella, al haber venido de otro país en busca de una major vida.
Se nota que algunos de los personajes que pasan, llevan ya varias veces detenidos, y que saben como manipular la ley a su favor.
San Clemente- Raymond Depardon (1982)
Depardon nos mete dentro de un psiquiátrico en Italia, para poder ver a todas las personas que hay ahí, tanto a los que están ahí dentro por ser locos, como los que trabajan o visitan a sus amigos y familiares ahí dentro.
La cámara que utiliza Depardon es bastante intrusive, no se trata de esconder por ningun medio, se hace presente, y no intenta engañar a nadie. Desde un principio, que los corren de un cuarto o consultiorio, diciéindoles que les debería dar verguenza filmar ahí, hasta el final, cuando una mujer intenta darle un bolsaso a la cámara, esta y Sophie, la sonidista, son siempre parte del entorno. A dirferencia de Titicut Follies, Depardon utiliza la cálmara más libremente, se mueve y reencuadra con gran facilidad cuando es necesario, sus cuadros se mueven, reencuadara dentreo del mismo cuadro, reenfoca, y hace todos estos cambios sin el menor esfuerzo, y sin que el espectador se de cuenta. Sin embargo, sus movimientos no son gratuitos, y cuando es necesrio, tiene la facilidad de esperar en silencio a que pasen las cosas, al contrario de muchos cineastas, a él no le da miedo el silencio, y la falta de movimiento, sabe esperar a que las cosas sucedan en frente de él. .
O Dreamland- Lindsay Anderson (1953)
Lindsay Anderson utiliza la forma del “cine social” para mostrarnos diferestes circulos sociales, y formas de vida, la cámara se mantiene siempre observacional, y oculta su presencia. Anderson déjà que la vida fluya con la minima intervención del aparato cinematográfico, tanto en cámara como en sonido. El documental no incluye un anarración de voz en off, o una narrativa convencional, ni una delineación de personajes tradicional, nos presenta lo que ve sin interpretaciones.
Titicut Follies- Fredrick Wiseman (1967)
El psiquiátriqo Bridgewater le abre sus puertas a Wiseman, para realizar su documental acerca de cómo tartan a los internos en este lugar. Para darnos la bienvenida, los internos montan una canción que cantan y bailan en el teatro del llugar.
Lo que caracteriza a este documental en particular, es cómo critíca a la institución, y a veces, es criticado por ser demasiado directo. Wiseman denuncia el trato que le dan a los pacientes y el funcionamiento del lugar en sí, como tartan a los enfermos como poco menos que humanos, los mantienen en un lugar sucio, y les hablan como si fueran animales, sin jamás tomar en cuenta lo que ellos puedan decir, ya que antes que todo ellos son enfermos mentales y no pueden decir nada de valor. Esta actitud se ve cuando está siendo entrevistado el pedófilo. Las preguntas que le hace el doctor parecen ser para satisfacer su propio morbo que para diagnosticar al paciente con el cual a pesar de ser pedófilo acabas simpatizando, y dudando si pertenece ahi o en una cárcel penitenciaria.
Los guardias, como el doctor, parecen tener prioridades antes que el bienestar de los pacientes. Wiseman pone a sup úblico en una situación incómoda y de neurosis con escenas como aquella en la cual los guardias sacan al interno de su habitación, y todo el tiempo mientras está fuera, y hasta que lo regresan, le insisten en que tiene que limpiar su cuarto. Los guardias parecen estar repitiendo esto más de lo que normalemente lo harían, para impresionar a la cámara.
Solo se muestra una forma para salir, y esa es en un ataúd, y si no, nos despiden de la misma forma que nos recibieron, con un baile y una canción.
Atomic Café- Jayne Loader, Kevin & Pierce Lafferty (1982)
Utilizando found-footage, los directores crearon un tono irónico relatando la desinformación durante la Guerra fría entre la Unión Soviética y los Estados Unidos. Utilizando el humor negro, mezclan la propaganda que Estados Unidos le mostraba a sus habitantes para calamarlos y lograr que estuvieran de acuerdo con las deciciones que se tomaban acerca del desarrollo de la bomba de hidrógeno por ejemplo, y lo importante que era desarrollar mejores tecnologías que los Soviéticos.
Al estructurar el desenlace de la película temáticamente, se puede apreciar como las versiones que da cada uno de los presidentes, o los updates que se dan sobre uno u otro tema se contradicen, y se vuelven ridículas. Es ámpliamente sabido, que no hay nada que te pueda proteger de los daños que causa la detoncación de una bomba atómica, pero los líderes de la nación permitían, e incitaban la construcción de refugios anti bombas en las casas, o prendas que te protegerían de la radiación o hasta el “dick-and-cover” que era ámpliamente promovido.
Utilizando este documental y el collage de material que utiliza, en retrospectiva podemos ver claramente la desinformación que el goboerno estadeunidense uso para conseguir apoyo de su gente durante la Guerra fría.
martes, 11 de mayo de 2010
Insurgentes – Lasse Hoile (2009)
Steven Wilson viene a México a grabar su disco Insurgentes, mientras la cámara lo sigue, creando un retrato del artista y su relación con su música. Wilson nos habla sobre como hacer música, como arte, no como un objeto que solo se vende y no tiene mayor profundidad. Desde sus inicios en Londres, ;el busca hacer música que perdure, que no sea superficial, y es por eso que se encuentra en una “Guerra” contra el ipod, que convierte a al música en algo deshechable.
Videocracia – Erik Gandini 2009
Videocracia examina los efectos de la televisipon en la gente Italiana. La televisión en todas partes del mundo, ha tenido grandes repercusiones, y dicta de muchas maneras, la forma de actuar de la gente, los ideales y las metas de vida de las personas han cambiado gracias a este aparato, en Italia, particularmente, vemos como todas las chicas de cierta edad buscan ser edecanes de televisión, ese es su sueño, cuando el sueño solía ser ser ama de casa, y casarse con un hombre de necgocios, ahora ser edecán y casarse con una estrella de futbol es el máximo para muchas personas. Los reality shows han hecho que esto sea más probable, tu, al igual que tu vecino puedes aparecen en tv sin hacer nada especial, y de ahi, lanzarte al estrellato.
La bahía – Louie Psihoyos (2009)
Un documental muy crudo, en el que nos muesstran la tortura que sufren los delfines en el mundo, y en especial, gracias al entretenimiento. La bahía es un lugar infernal, una caleta escondida del resto del mundo, donde lo único que se ve es la sangre siendo derramada cuando es “epoca de pescar delfines”. Un grupo de activistas se embarcan en una misón para develar lo que pasa en este rincón escondido. Las personas que trabajan ahi les impiden grabar, y les prohiben la entrada, pero ellos logran penetrar la bahía, para poner en evidencia lo que sucede.
El documental es completamente reaccionario y activista, que muestra imágenes crudas, y cuyo objetivo es develar el secreto de la tortura de estos animales, y concientiza a la gente de ello.
El ultimo tren a casa – Lixin Fan (2009)
La familia se separa en cuando se necesita dinero para mantenerse, y con la enorme población china, es un problema poder volverse a unir. La mano de obra barata tiene sus resagos en la forma de vida de las personas que viven ahhi, muchos viven en cuarton muy pequeños, compartidos y lejos de sus familias, mientras que os que viven en el campo, a duras penas sobreviven con lo que puedan recolectar para ellos mismos, y lo poco que les puedan enviar los que viven fuera.
Lixin Fan nos muestra la lucha de una familia para mantenesrse unida, a pesar de las distancias y las necesidades que tienen que ser satisfechas. Los padres viven juntos en un cuarto pequeño, el hijo pequeño vive con la abuela en el campo, al igual que la hija, pero ella luego busca trabajo en la ciudad, y termina en un cuarto con litreras y varias otras niñas, trabajando en maquilas.
El informe Toledo – Albino Alvarez (2008)
Nos lleva con Toledo, a traves de unos grabados y animaciónes de un mono que él realiza en torno a Franz Kafka. El mono nos va guiando por la vida de Toledo, sus años en París y el conflicto oaxaqueño del 2006.
La narrativa nos va guiando desde los principios de Toledo por su obra realizada en el parque la fundidora en Monterrey, que es una fuente de un lagarto gigagnte “La Lagartera”. Albino Alvarez toma a Toledo como representante de toda una generación de artistas que se ven en la necesidad de irse de México para poder ser exitosos, pero aùn asi, ellos están arraigados a su país, y los jala de regreso.
lunes, 10 de mayo de 2010
Titicut Follies- Fredrick Wiseman (1967)
El psiquiátriqo Bridgewater le abre sus puertas a Wiseman, para realizar su documental acerca de cómo tartan a los internos en este lugar. Para darnos la bienvenida, los internos montan una canción que cantan y bailan en el teatro del llugar.
Lo que caracteriza a este documental en particular, es cómo critíca a la institución, y a veces, es criticado por ser demasiado directo. Wiseman denuncia el trato que le dan a los pacientes y el funcionamiento del lugar en sí, como tartan a los enfermos como poco menos que humanos, los mantienen en un lugar sucio, y les hablan como si fueran animales, sin jamás tomar en cuenta lo que ellos puedan decir, ya que antes que todo ellos son enfermos mentales y no pueden decir nada de valor. Esta actitud se ve cuando está siendo entrevistado el pedófilo. Las preguntas que le hace el doctor parecen ser para satisfacer su propio morbo que para diagnosticar al paciente con el cual a pesar de ser pedófilo acabas simpatizando, y dudando si pertenece ahi o en una cárcel penitenciaria.
Los guardias, como el doctor, parecen tener prioridades antes que el bienestar de los pacientes. Wiseman pone a sup úblico en una situación incómoda y de neurosis con escenas como aquella en la cual los guardias sacan al interno de su habitación, y todo el tiempo mientras está fuera, y hasta que lo regresan, le insisten en que tiene que limpiar su cuarto. Los guardias parecen estar repitiendo esto más de lo que normalemente lo harían, para impresionar a la cámara.
Solo se muestra una forma para salir, y esa es en un ataúd, y si no, nos despiden de la misma forma que nos recibieron, con un baile y una canción.
Atomic Café- Jayne Loader, Kevin & Pierce Lafferty (1982)
Utilizando found-footage, los directores crearon un tono irónico relatando la desinformación durante la Guerra fría entre la Unión Soviética y los Estados Unidos. Utilizando el humor negro, mezclan la propaganda que Estados Unidos le mostraba a sus habitantes para calamarlos y lograr que estuvieran de acuerdo con las deciciones que se tomaban acerca del desarrollo de la bomba de hidrógeno por ejemplo, y lo importante que era desarrollar mejores tecnologías que los Soviéticos.
Al estructurar el desenlace de la película temáticamente, se puede apreciar como las versiones que da cada uno de los presidentes, o los updates que se dan sobre uno u otro tema se contradicen, y se vuelven ridículas. Es ámpliamente sabido, que no hay nada que te pueda proteger de los daños que causa la detoncación de una bomba atómica, pero los líderes de la nación permitían, e incitaban la construcción de refugios anti bombas en las casas, o prendas que te protegerían de la radiación o hasta el “dick-and-cover” que era ámpliamente promovido.
Utilizando este documental y el collage de material que utiliza, en retrospectiva podemos ver claramente la desinformación que el goboerno estadeunidense uso para conseguir apoyo de su gente durante la Guerra fría.
Nuit et brouillard- Alain Resnais(1955)
El primer documento del Holocausto es un encargo de Francia a Resnais, para limpiar la imágen de este país. En Noche y Niebla, lo que vemos es la participación de Alemania en los campos de concentración, el trato que le dan a los presos, y lo que queda de ellos años después.
Utilizando la metonimía, Resnais nos muestra la cantidad de gente que estuvo ahi y que ya no está y nos enseña cómo fue que se deshicieron de ellos en los campos. En vez de plasmar imágenes de gente siendo torturada, vemos las montañas de cabello o de zapatos o lentes de las personas que habían estado ahi. Los soldados de la SS grabaron el material que usa Resnais, ya que ellos debían responder a sus superiores, y no creían que hacían nada mal, ellos mismos se filmaban, como prueba de lo que hacían.
Utilizando a John Coogan como narrador, entramos lentamente a uno de estos campos de concentración, acompañados de una cámara que hace travellings lentos, y movimientos que podrìan ser similares a los que uno haría si estuviera recordando algo. Mientras Coogan nos va guiando por los espacios, al final queda tan solo un lugar con esperanza, un lugar interior, inconquistable en el que uno puede guardar algún secreto, o algún recuerdo.
Human Remains- Jay Rosenblatt (1998)
Ofrece una vista jamás antes vista a los más grandes dictadores del siglo; Hitler, Mussolini, Stalin, Franco y Mao. En vez de mostrar la vida pública y las atrocidades que hizo cada uno de ellos, nos muestra su vida privada, sus gustos, defectos, comidas favoritas, hábitos de limpieza y hasta preferencias sexuales.
Utilizando found-footage y voz en off, Rosenblatt logra darle una nueva vida a cada uno de estos personajes. Cada uno es asignado una voz que se parece mucho a la del original, dándole un índole burlona y caricaturizada. Human remains “humaniza” a estos dictadores y nos invita a verlos con ironía y humor.
Cannibal Tours- Dennis O’Rourke (1988)
Papua Nueva Guinea es la locación principal para este documental, en la que un grupo de turistas visitan esta tierra “exótica”, pero ¿quiénes son los “canibales”, a quiénes son los que se estan estudiando en este film? Para la sociedad occidental, las personas que se nos hacen diferentes y por lo tanto, las que más nos deberían interesar, son los nativos de la region, pero O’Rourke logra voltear la situación, y nosh ace ver que los que estan fuera de lugar son los turistas, ellos son los verdaderos canibales. Los nativos no buscan sacar nada de los turistas, logran aprovechar la situación y vender algunas manualidades, pero los turistas buscan sacarle lo que puedan a los nativos, se sacan fotos con ellos, haciéndolos posar como si fueran la fauna del lugar, y cuando buscan comprar cosas, y a pesar de que los precios son bajos, quieren pagar los precios más baratos posibles.
Cannibal Tours sirve como una reflexión sobre el turista y su comportamiento en tierras extrañas para él. Se comporta como un cannibal, al buscar sacarle el mayor provecho posible a los nativos, tan solo para luego dejarlos y regresarse a la comodidad de sus hogares.
Fake Fruit Factory-Chick Strand (1986)
Una fábrica en el norte de México, que hace frutas de papel maché, cuyo dueño es estadounidense y cuyas trabajadoras, todas mujeres son mexicanas, podría caer en el cliché del folklore mexicano o la explotación de las trabajadoras mexicanas, pero no cae en ninguno de estos. La cámara a lo largo del documental, se concentra principalmente en las frutas y las manos que las están haciendo, va siguiendo todo el proceso hasta que las terminan. Mientras vemos como se elaboran las frutas, escuchamos a las mujeres que las hacen, como hablan de los hombres y el sexo, y notamos que su trabajo no es un trabajo de explotación en el que ellas se sientan atrapadas, nos enseñan como un día que va el patrón, las invita a la alberca y tienen un día de “campo”. Al mismo tiempo que nos va revelando la forma de trabajo y el ambiente de trabajo, van apareciendo los colores, poco a poco las trabajadoras van pintando las frutas y con ellas aparecen los colores tan vívidos por los que son conocidas.
La analogía entre los colores y la forma de trabajar nos muestran el folklore mexicano de una manera innovadora, y una forma de trabajar que no es normalmente la que se conoce en México, si no completamente lo contrario.
Calcutta-Louis Malle (1969)
Calcuta es una de las ciudades más pobres del mundo, aun hoy, sufre de situaciones lamentables de pobreza e insalubridad. Malle cuenta que al realizar su documental, pasó seis meses en India, viajando y documentando lo que le llamara la atención, y al regresar a Francia, editó las 40 horas que había recolectado, él dijo que el documental entero había sido una improvización, y aunque esto no quiere decir que esté destinado a no tener una vision, este no la tuvo. Lo que Louis Malle hizo al no acercarse a las personas, y al simplemente tomar una vista desde afuera sobre la lepra y la pobreza que invade la ciudad, pero al no mostrar alguna novedad, simplemente se quedó como un registro, o un documento sobre el lugar.
Jaguar – Jean Rouch (1967)
Tres amigos emprenden un viaje a la costa de Oro para ganar dinero y regresar a sus hogares ricos y con mejor futuro. En ella, lo que vemos no es necesariamente lo que escuchamos, ya que la película fue primero filmada, y luego doblada por sus protagonistas. Con la voz en off de sus propios integrantes, Rouch logra transmitir las experiencias como las vivían ellos, y como las vieron en retrospectiva. Cada uno de los tres personajes, muestra su personalidad através de esta forma de narración. Debido a esta combinación de imagen documental y audio grabado post-filmación, fue que se le fue dado el género de etnoficción, o cine-ficción.
La definición clásica de lo que es o no es un documental es puesta en duda en este trabajo. Es etnográficamente correcto en su representación de la migración de jóvenes que iban a la costa de Oro en busca de trabajo y dinero, pero la narración en sí, y partes del montaje son completamente ficticios.
La pyramide humaine-Jean Rouch (1961)
Al comenzar la película, Rouch nos aclara que lo que vamos a ver es un experimento que él ha querido realizar sobre el racismo en Costa de Marfil. Cada uno de los estudiantes se interpretan a sí mismos durante las vacaciones en las que la cámara los va a seguir y la regla que él impone es que los que interpretan a los racistas tienen que ser propiamente racistas. Los jóvenes van enfrentandose a problemas de entendimiento entre razas, y culturas de principio a fin. Gracias a ellos, vemos los problemas antropológicos que la sociedad inter-recial se enfrenta. Al mostrarnos como a pesar de las diferencias que pueden tener entre ellos, siguen siendo amigos, le da esperanzas a la convivencia entre ellos, hasta que uno se suicida. El suicidio desencadena una serie de inconformidades entre ellos, que se echan la culpa entre ellos, hasta que Nadine se va; el grupo queda deshecho, sin sus integrantes, pero Rouch nos reasegura que la relación entre ellos seguirá, y que su experimento no ha sido del todo fallido, las relaciones inter-reciales pueden funcionar y para los protagonistas, esa palabra no tiene lugar entre sus amigos.
Les Maitres Fous- Jean Rouch (1954)
Antes de filmar este documental, Rouch es iniciado en los Hauka, que practican la posesión espiritual en la que imitan a sus invasores franceses, las autoridades coloniales, pero de forma paródica. Durante todo el ritual, uno pone en duda la veracidad del trance. Desde un principio, Rouch descubre que el catalizador del trance es la cámara, él sabe que tarde o temprano, si la cámara está rodando, los Hauka entraran en trance y harán su ritual. Una vez comenzado este, podemos ver como cada una de las cosas que suceden durante el trance son situaciones para las cuales se buscan soluciones. La finalidad del rito es movilizar diferentes energías para buscar soluciones a problemas. Un ejemplo es el del señor que es impotente, él busca solucionar su problema, y durante el trance, descubrimos que su impotencia se debe a que se había acostado con la mujer de su amigo.
El final del trance, acaba justo a tiempo para que todos tomen su camión de regreso a la ciudad, por eso, a pesar de que durante el trance, se encontraban en otro estado de conciencia, uno puede dudar que tan real, o que tan planeado puede ser este.
Nanook- Robert Flaherty (1922)
Flaherty realiza el documental de Nanook, como una exploración antropológica del exotisismo de los esquimales con los que él y su papá trabajaban. Busca mostrar lo raro y romántico del “otro hombre”, del hombre natural y primitivo, que viste con lo que consigue de la naturaleza, come lo que caza, y caza con armas primitivas. Lo que descubrimos después de ver el documental, y luego de algo de investigación, es que Flaherty en realidad cambia un poco la realidad, al exagerar algunos de sus aspectos, uno de los ejemplos más claramente descritos es el de la caza de focas. En la película, vemos como los cazadores usan un arpón para matar a la foca, mientras que en esa época, ya se usaba el fúsil para esta tarea, ya que cazar con arpón es considerado muy peligroso.
Nanook es un documental en el que se muestra al “otro”, al tercer mundo exótico, romántico y aun sin ser corrompido, pero en realidad, esta voz narrativa resulta ser poco fiable.
Las Estaciones- Artavazd Peleshian (1975)
Peleshian es el creador del ¨montaje a distancia¨, que permite que cree poesía con sus películas, ésta en particular, nos habla sobre la relación entre el hombre y la naturaleza que lo rodea, cómo se relacionan entre abmos.
Uno de los documentales más importantes hechos en Armenia, el director busca alcanzar el “espíritu” de la audiencia para entender el verdadero mensaje de sus películas, en vez de usar el intelecto.
Nobody’s buisness- Alan Berliner (1996)
Una biografía cinematográfica que ayudada cone el humor, nos muestra la relación entre padre e hijo , cuando ambas generaciones chocan, al igual que las ideologías.
Berliner mezcla entrevistas de su padre y otros miembros de su familia, algunos de ellos, que ni conocía antes de la filmación. El director está en la misma busqueda que todos nosotros, busca sus orígenes, y lo hace a traves de su familia, y con material del archivo nacional, en el que busca su árbol genealógico. Utiliza las herramientas que tiene a su fvor, para crear una imágen de si mismo y de su pasado y el de su familia.
Konec- Vladislav Kvasnicka (1992)
El tren como forma de mostrarnos a las personas, y su forma de vida. Nos muestra la dificultad de movimiento de la gente que quiere salir de la República Checa, utilisando la cámara de tal forma, que podemos casi ver lo que los pasajeros sienten y piensan. Dentro del vagon, solo hay personas, por fuera, el paisaje cambia lentamente y no es de gran interes, es pore so que Vladislav Kvasnicka nos acerca tanto a los pasajeros del tren, y su relacion con su pais natal y su próximo destino.
One day in the life of Andrei Arsenevich- Chris Marker (2000)
Una película, retrospectiva sobre la vida de Andrei Tarkovsky y sus propias películas. Desde el lecho de muerte de este director, Marker nos va mostrando la vida y obra de Tarkovsky. Marker enseña cómo era Tarkovsky en set, con sus diferentes películas y su forma de trabajar, cómo se apasionaba por sus películas, y por lo tanto, porque buscaba en ellas la perfección, al elevarlas al nivel de otros grandes artes, como la pintura.
Marker edita la película en base a los ultimo’s días de vida del gran director, al mismo tiempo que analiza la filmación, y edicikón de su última película; el Sacrificio.
Dial History- Johan Grimonprez (1998)
En este documental, Grimonprez nos muestra la historia de los “hijackings” de aviones a lo largo de la historia. Utilizando found footage, narra la historia del terrorismo que se ha vivido desde hace años en este reubro. Vemos como el terrosimo ha cambiado y como la imagen del terrorista también lo ha hecho, conforme se increnmenta el tamaño del atentando, éste requiere más atención. Se siguió escalando asi dentro del terrorismo aéreo, hasta llegar a la gran escala del 11 de septiembre.
El documental aprovecha la sociedad del caos para mostrar el perfecto para los ataques terroristas y grabar esas imágenes en el inconciente de la sociedad.
Sans Soleil- Chris Marker (1983)
Chris Marker utiliza found footage de diferentes lugares, desde la televisión japonesa, hasta el cine commercial, utilizando este material, al igual que material original, crea un collage de imágenes que nos hablan sobre como funciona el pensamiento humano, como el contexto y la memoria hacen que una historia sea de una forma u otra. La forma narrativa es es muy libre, y no necesita de una historia o un personaje para justificar sus movimientos de locación a locación.
El Hombre de la Cámara- Dziga Vertov (1929)
Vertov nos muestra una película muy innovadora, no solo por la utilización de la cámara, si no también por los temas que maneja durante el documental. Una película silente, sin actores y de índole experimental es lo que nos presenta este director, cuya esposa edita el film.
La película comienza con un hombre poniendo una proyección y el teatro llenandose de gente, luego entra la banda y nosotros entramos a las calles desiertas de la ciuidad, no hay movimiento, todo esta limpio, y parece estar en paz y descansando. La ciudad empieza a deseprtar al igual que sus habitantes, vemos como tanto la ciudad, como ellos mismos, se bañan, se mantienen limpios. La gente empieza a salir a la calle, y luego lás máquinas empiezan a funcionar. La ciudad en si funciona como una máquina cuyos engranes han sido bien aceitados. Vertov nos enseña como funciona la gran ciudad rusa, a la perfacción.
Al mismo tiempo, él innova con el uso de la cámara, y con la edición, utiliza travellings en trenes y carros, pone la cámara en las vías del tren y el mismo se pone debajo de un carro para conseguir un major ángulo. Su esposa utiliza superposiciones en diferentes ángulos para crear tensión, o para crear cuadros nuevos. El mensaje que envia al poner un ojo sobre la lente de la cámara es bastante claro, la analogía del lente como el ojo es muy directa, y muy eficiente.
El hombre de la cámara nos cautiva como espectadores ante el funiconamiento de la ciudad, las diferencias entre clases, y la innovadora utilización de la cámara y el montaje.
Jean Painlevé
Con una voz omnipresente, que sabe todo, Jean Painlevé nos muestra mundos jamás antes vistos, gracias al desarrollo de su cámara acuática. Gracias a su trabajo de investigación marina, fue posible conocer el mundo acuático, en el que se desarrollan millones de formas de vida diferentes. Con sus tomas bajo el agua, acompañadas por tomas en peceras dentro de su laboratorio, Painlevé nos muestra procesos de vida como el de los caballitos de mar, que no solo son seres marinos, si no que son diminutos al nacer, y él nos los acerca.
A pesar de que posiblemente su trabajo más reconocido sea el marítimo, Painlevé no se limitó en trabajar solo en esto, con sus filmaciones como el vampiro, vemos mamíferos pequeños, formas de vida aún más chicas. Con su cámara microscópica, también descubrimos el comportamiento de células que conforman nuestro cuerpo y el de otros animales.